jueves, 25 de diciembre de 2008

Temptacions de Sant Antoni en Can Planes

Exposición colectiva sobre las tentaciones de San Antonio en Sa Pobla


Gabriela Seguí Temptació cega

Esta exposición colectiva se plantea como un viaje en el desierto (el arte) dónde el espectador (Sant Antoni) se enfrenta a las tentaciones que plasman los artistas. Se reinterpreta el discurso histórico de la vida del Santo, tal y como lo hizo éste ante las tentaciones del demonio.
Para conseguir un conjunto conceptual, se ha establecido un formato expositivo común para todos los artistas: un maletín negro. Los soportes son múltiples, desde la fotografía a la pintura, pasando por la escultura, el dibujo, la instalación, el collage, el arte sonoro o el grabado; el único requisito es que la pieza que representa su visión personal de las tentaciones quepa dentro del maletín.
Esta muestra se presentó por primera vez en la galería barcelonesa Espai B, en enero de 2007, con motivo de los 15 años de la celebración de la fiesta de Sant Antoni en el barrio de Gràcia.


Lourdes Sampol

Esta exposición podrá visitarse hasta el 15 Febrer 2009 en Can Planes, Museu d’Art Contemporani de Mallorca, c/ Antoni Maura, 6, Sa Pobla.

Para completar la exposición se ha programado un ciclo de actividades paralelas que incluye conferencias, un ciclo de cine, conciertos y poesía.

Guernica de Picasso en 3D

Lena Gieseke crea una versión tridimensional del Guernica

Lena Gieseke, una artista de Nueva York, empleando las más modernas técnicas de infografía digital propone una versión 3D de esta célebre obra con un resultado muy interesante, ya que permite visualizar muchos detalles que, de otro modo, pasarían desapercibidos.



La música es Nana de Manuel de Falla.

WEB de Lena Gieseke

Postales con mucho arte

Postal de Cati Bauçà

molts d'anys!
que l'any 9 sigui 11
ple
d'amor
sensibilitat i
cultura natural


MCruz Ugarte 296 días en ABA art



“296 días” es el título primera exposición individualde MCruz Ugarte, que reúne dibujos frescos, jóvenes, poéticos, reales, urbanos y repletos de colores. Del soporte blanco van surgiendo personas, animales, objetos, espacios y situaciones. Cada obra es un nuevo mundo, una mirada, un sentimiento, así nos lo cuenta MCruz: “me interesan las personas de todas las culturas, con el bagaje que eso les da. Mis fuentes de inspiración son la naturaleza, la ciudad, los rostros de la gente y sus gestos"
Experimentó con el grabado y la serigrafía creando su propia marca (Tan pichi). De vuelta a la pintura, la artista nos deleita con sus dibujos, utilizando soportes, técnicas y materiales diferentes. Mezcla el digital con el lápiz, la acuarela con la pintura, lo que le permite avanzar y ofrecer un trabajo artístico sorprendente y muy personal.



“296 días” puede verse hasta el 23 enero 2009
ABA ART CONTEMPORANI
Plaza Porta de Santa Catalina, 21 Palma de Mallorca

domingo, 21 de diciembre de 2008

Pere Capellà exposición en Son Tugores

La fira dels Folls



L’exposició titulada La fira dels Folls s’articula a partir d’una selecció d’obres realitzades entre els anys 2003 i 2007. El concepte dels seus dibuixos es centra en l’estudi de la memòria i de la reconstrucció del record a través de la representació de personatges prototípics d’una societat suspesa entre el present i el passat.
Nascut a Palma l’any 1981, Pere Capellà Simó és llicenciat en Belles Arts per la Universitat de Barcelona. La seva experimentació plàstica l’ha portat a àmbits tan diversos com el dibuix, la pintura, la il•lustració, la pintura mural o el disseny de joguines. A principis del 2000 començà a treballar l’aquarel•la, una tècnica que des d’aleshores no ha abandonat. Actualment realitza la tesi doctoral La joguina a Catalunya com a representació de la modernitat, inscrita a la Facultat de Geografia i Història de la Universitat de Barcelona.



“Davant el cas concret de Pere Capellà i Simó, una saludable sensació de naturalitat ens sedueix des de la primera mirada. Tan jove, i ja ho pot fer tot tan senzill. No li és menester fer acrobàcies ni elaborar un discurs sobre la matèria de la memòria. No és gaire habitual, en un artista jove. Un dels impostos que graven més la joventut es paga amb intents de voler-ho demostrar tot des del primer moment. Només uns pocs, sigui perquè han madurat més de pressa o per qualsevol altra misteriosa raó, només uns pocs gosen prescindir dels exercicis atlètics, de les demostracions de força. Aquesta actitud no ens ha de fer concebre sospites entorn de les capacitats o el cabal creatiu de l’artista. Tan sols es tracta d’una forma d’entendre l’art-i-la-vida: mirar de fer senzill allò que és complex, de dir el major nombre de coses amb el menor inventari d’elements. Pere Capellà treballa amb aquestes eines conceptuals. Emparentat amb els orígens per mitjà del dibuix, la seva cal•ligrafia, tan intel•ligent, bellíssima, transforma en art tot allò que toca. Ell és com una mena de transformador dels fluids artístics que, des de les coves, difonen la llum pels vastos territoris del temps”.


Guillem Frontera

La fira dels Folls (2003-2007), de Pere Capellà Simó
Casal Son Tugores.
Clastra Son Tugores s/n, Alaró.
Hasta el próximo 1 de febrero

Santa de Carles Gispert

Proyecto escultórico en el Baluard



Las fiestas navideñas movilizan una reacción social tangible y contradictoria. Se incrementa el consumo y se manifiesta mediante una serie de símbolos de la cultura post-capitalista. Hay una serie de símbolos arquetípicos de esta brecha entre realidad y celebración: la figura de Santa Claus, y el árbol de Navidad, coronado por la estrella. Sobre estos símbolos se articula la propuesta, con el refuerzo de una bonita postal navideña, con luces de Navidad.
Las figuras de Santa Claus made in China escalan balcones, edificios y estructuras, esta vez llegan a Es Baluard. En esta faceta contemporánea popular, las ciudades quedan intervenidas por una figura de promoción de una bebida refrescante.
Símbolos de consumo parasitando símbolos de concordia, fiestas paganas y religiosas (el nacimiento del sol o del que nos da su luz). La crisis, el turrón y el hundimiento de la bolsa, todo conectado por mangueras luminosas de colores. Santa nos regala una versión luminosa y de feliz autocomplacencia.


Es Baluard comienza, con este proyecto, una colaboración con artistas jóvenes, que realizarán, siempre por estas fechas, una intervención en algún lugar del museo.
El Baluard, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo hasta el 11 de enero.

domingo, 14 de diciembre de 2008

Isabel Uribe, Alejandrina Cue y Graham Davis

The kitchen is the heart of the home, Hilofilia i Voyages

Isabel Uribe

Maria Isabel Uribe, guanyadora del primer premi de pintura Vila de Binissalem al 2007, presenta a les Sales Florentines de Can Gelabert l’exposició The kitchen is in the heart of the home. Nascuda a Neiva-Huila (Colòmbia) i resident a Mallorca des de 1998, la d’Uribe és una proposta plàstica tan diversa en llenguatges i conceptes com en els mitjans que explota per a desenvolupar les seves idees, fent servir un llenguatge a mig camí entre rialler i sublim que sorgeix, segons les paraules Juan Carlos Dulzaides, comisari de l’exposició, del més profund de la seva obra.

Alejandrina Cue és una coneguda artista plàstica cubana, recuperadora als anys vuitanta de la tècnica del patchwork, tècnica que ha aplicat amb profusió com a via d’expressió artística. Sota el titol Hilofilia, Alejandrina Cue presenta tot un seguit d’obres amb tècniques mixtes i artesanals, on els fils apareixen com a guies conductors, com a expresió anímica. “Els fils – apunta Cue – són com els sentiments: es teixeixen, es trenquen, s’anuen, enrotllen, embelleixen i restauren”.

Nascut a Anglaterra i resident a Mallorca des de l’any 2000, Graham Davis es va formar amb David Hockney i a la Chelsea School of Art de Londres. Sota el títol Viajes, Davies exposa a la Sala Imperial de Can Gelabert un total de vint obres, fruit segons l’autor com gran part de la seva obra “d’un procés en certa mesura similar al revelat d’una pel•lícula”, amb un estil caracteritzat per la utilització minuciosa de capes de color en evolució que es transformen en obres d’art vagament tridimensionals, tenint allò que és vell, ja siguin esglèsies rurals, portes corcades o ponts tambalejants un encant especial per a aquest artista.

Les tres exposicions romandran a Can Gelabert (Binissalem) fins al proper 31 de gener.

jueves, 11 de diciembre de 2008

Obra gráfica en Addaya

Exposición colectiva en Addaya


Manolo Valdés

Addaya Centre d’Art Contemporani inaugura mañana, 12 de diciembre, la exposición Obra Gráfica que reúne diferentes obras de más 30 autores, que van desde litografías a fotografías, pasando por grabados, xilografías, serigrafías y esculturas seriadas.
En esta exposición podemos encontrar obras de artistas como, Manolo Valdés, M.A. Campano, Amador, Nuria Marqués, Luis Gordillo, Xavier Grau, Mimmo Rotella, Bernardí Roig, Pep Llambias, Menéndez Rojas, Antonio Saura, Antoni Tàpies, Maria Carbonero, Rafa Forteza o Mimmo Paladino, y también una imponente obra de Robert Indiana, de la famosa serie "Love", editada curiosamente para Greenpeace. Además este año esta muestra incluirá por segunda vez esculturas seriadas de Joan Costa y de Pep Mª Sirvent, dos destacados escultores de Mallorca.

ARTISTAS
Nuria Marquès, Xavier Grau, Amador, Bernardí Roig, Luis Gordillo, Antoni Tàpies, Mimmo Rotella, Joan Vallespir, Juan de Andrès, Mimmo Paladino, Charo Pradas, Sigmar Polke, Antonio Saura, Robert Indiana, Pep Coll, Menéndez Rojas, Joan Fontcuberta, Rafa Forteza, James Lambourne, Biel Bover, Joan Pere Viladecans, Manolo Valdés, Pep Llambias, Pep Mª Sirvent, Toni de Cúber, Maria Carbonero, Joan Àvila, Joan Costa, M.A. Campano, Natasha Lébedeva, “Gorriomoixa”, Andrés Nagel, Pep Mª Alcover, Margalida Escalas, Biel Bover, Christo, Natasha Lébedeva...

Addaya Centre d’Art Contemporani
C/ Alexandre Rosselló, 10
Alaró (MALLORCA)

martes, 9 de diciembre de 2008

Maria Carbonero, Dolores Sampol y Horacio Sapere

Tres en la Galería Joanna Kunstmann
La exposición Tres presenta los nuevos trabajos de los artistas Maria Carbonero, Dolores Sampol, Horacio Sapere.

Maria Carbonero


Los rostros y las figuras femeninas son los temas centrales del trabajo de María Carbonero (Palma, 1956). Desde perspectivas muy diversas, a veces muy cercanas, otras desde la distancia, tendremos la posibilidad de experimentar el punto de vista de la artista. El espectador se verá confrontado con grandes tomas de rostros y desnudos parciales carentes de compromiso. Trazos gruesos, contrastes y colores fuertes definen estas nuevas y expresivas imágenes sobre papel. En la exposición se exhibirán siete trabajos de Carbonero de gran tamaño, realizados en papel.

Dolores Sampol



El ser humano es el tema central de los nuevos trabajos de Dolores Sampol (Palma de Mallorca, 1954). La soledad y la introspección del ser humano se acentúan a través de su completa desnudez. A veces solo vemos partes del cuerpo humano unidos a atributos simbólicos como peces, saltamontes o moscas.
Estos símbolos representan las diferentes conductas humanas y el inconsciente.
Desde esta reducida e hiperealista pintura podemos imaginarnos mágicas, absurdas e incluso surrealistas historias.

Horacio Sapere



Los lienzos de Horacio Sapere (Buenos Aires,1951) destacan como siempre por su incomparable colorido. Estos trabajos se caracterizan por la relación entre lo figurativo y lo abstracto. Con elementos paisajísticos y atributos de interiorismo se crean espacios donde los trazos aislados dan al espectador la posibilidad de conocer el mundo imaginario del autor.
Este artista argentino, que vive desde hace una década en Mallorca, se ha dado a conocer internacionalmente a través de exposiciones en Ámsterdam, Viena, Buenos Aires, Montreal, Québec, Toronto y Berlín entre otros muchos sitios. Su última exposición fue en París en noviembre del 2008.

Galería Joanna Kunstmann
Sant Feliu 18
Palma de Mallorca
La inauguración tendrá lugar el Jueves 11 de diciembre a las 20.00. La exposición podrá visitarse hasta el próximo 31 de enero.

viernes, 28 de noviembre de 2008

Mesogeios Thalassa de Carlos Miró

Puntiapart en el Teatro Xesc Forteza



Mesogeios Thalassa és un espectacle que parla de les experiències de sis personatges que descriuen els seus viatges per la Mediterrània mitjançant la seva manera de sentir i de percebre les situacions en què es troben. La dansa és una forma d’expressió comuna a totes les cultures del nostre món, i es converteix en llenguatge universal per damunt de les paraules, dels costums i de les tradicions.
Grècia, Itàlia, França, Espanya, Israel… són alguns dels llocs d’on sorgeixen les connotacions musicals que trobarem en aquest espectacle, on els intèrprets, mitjançant la dansa, ens parlaran d’experiències viscudes per tots nosaltres en qualque moment de la nostra existència.

Programa:

‘La mar és el foc dels déus’, em va dir d’amagat un capvespre la Nereida
Kelimdance, Voyage

‘Ni Prometeu ni Hèracles pogueren
mai robar aquest blau’
Joan Manuel Serrat, Mediterráneo

‘Ja pots mirar la mar mil vegades que sempre canvia’
Mina & Fabrizio de Andre, La Canzone di marinella

Això deia la nimfa mentre de la besada a la vorera sortia l’escuma blanca
Estrella Morente, Bulerías de la Bola
I a la badia, íntima com un òmfal, el sol vermell se sacrificava
Bebo Valdés y El Cigala, Inolvidable

‘Si t’acostes de prop a aquesta roca foradada podràs sentir el renou profund’
Marina Rossell, A la vora de la mar

‘Des de la cala arrecerada veuràs l’eternitat d’un estel efímer al cel immens’
Mikis Theodorakis, Tis agapis aimatar

‘Gaudiràs un altre cop de la fruita vessada a l’arena’
Noa, Beautiful that way

‘La fruita com un raïm, d’on destil.
lar el secret del temps detingut’
Domenico Modugno, Dio come ti amo

Això deia la nimfa mentre el cel blau es colgava damunt la mar blava
Geoffrey Oryema, Rwot Obwolo Wan

Mentre jo jugava per fi com un nin que descobreix la carn i el pit
Zizi Jeanmaire, Tout le monde est musicien
(Poesia original de Xavier Riutort)


Director artístic i coreògraf: Carlos Miró
Assistent de coreografia: Silvia Riutort
Ballarins: Natalia Dorado, Melania Llorens, Silvia Riutort, Francesc Fernández, Roman Vassiliev, Carlos Miró.

Teatre Municipal Xesc Forteza
Del 4 al 8 de desembre
HORARIS: Dijous i divendres, a les 21.30 h. Diumenge i dilluns, a les 20 h.

domingo, 23 de noviembre de 2008

Miquel Llabrés

El Museo de Pollença dedica una retrospectiva al pintor Miquel Llabrés en el 25 aniversario de su muerte




El Museo de Pollença organiza cada año una exposición homenaje a un artista pollencí o vinculado a esta localidad. La presente edición está dedicada al pintor Miquel Llabrés Grimalt (Manacor, 1930 Palma, 1983), en el año en que se cumple el 25 aniversario de su muerte y también el 40 de la inauguración del Primer Certamen de Pintura de Pollença del que Llabrés fue ganador. Para esta muestra se ha logrado reunir una selección de obras representativas de sus temáticas más recurrentes como son los paisajes y las naturalezas muertas.
Miquel Llabrés Grimalt comenzó a pintar muy joven, en su época de adolescencia, a raíz de una dolencia que le obligó a guardar reposo. Realizó su primera exposición en 1948, en Manacor, y este mismo año ganó la segunda medalla en el VII Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes de Palma con una naturaleza muerta. En 1949 inició sus estudios en Barcelona, en la Escuela de Bellas Artes de San Jorge, institución que abandonó al cabo de poco tiempo para poderse dedicar exclusivamente a pintar.
Dos años después, en 1951, su obra "Lluvia" fue premiada con la primera medalla de Pintura del X Salón de Otoño de Palma.
Aunque de formación principalmente autodidacta, sus primeros trabajos revelan la influencia de la escuela de Pollença, todo un círculo de pintores, tanto extranjeros como locales, discípulos de Anglada Camarasa, que trabajaba en Pollença en la primera mitad del siglo XX, y especialmente de la obra de Ramón Nadal, un pintor al que siempre admiró y fue un referente sobre todo en sus comienzos. En esta etapa abundan los paisajes mallorquines luminosos de vivos colores en los que predominan las tonalidades azules.
A partir del año 52 comienza a viajar, primero por la península, concretamente Castilla, y, posteriormente, a partir del año 55 por Francia, buscando inspirarse en paisajes y lugares nuevos, visitando museos, galerías y exposiciones. La pintura de esta época refleja un cambio en la concepción del paisaje, que se manifiesta tanto en la técnica como en el color. En los cuadros de esta etapa el cromatismo se suaviza y se oscurece; predominan las tonalidades grisáceas y ocres con las que consigue efectos marcados de luces y sombras al colocarlas en un primer plano y desplazar al fondo los colores más claros. En sus paisajes urbanos comienza aparecer también la figura humana. Se trata de pequeñas figuras esquemáticas, trazadas con pinceladas muy ligeras.
A finales de los cincuenta regresa a Mallorca y continúa pintando paisajes de diferentes lugares de la Isla y escenas urbanas. Fueron unos años muy fructíferos tanto en su trabajo de creador como en dar a conocer su obra, ya que realizó numerosas exposiciones en España y Francia. En la primavera de 1963, Llabrés regresó a París y Burdeos y obtuvo la medalla de plata del XXII Salón de Otoño; y en esta exposición mostró obras como La Porta de Santa Maria y la Catedral de Burgos, y también calles y rincones de Burdeos, París y Palma. En 1967 expuso por primera vez en Londres y aquel mismo año, le fue otorgada la Cruz de la Orden de Isabel La Católica por su aportación a las bellas artes.
En la pintura de esta etapa predominan los tonos ocres, dorados y también diferentes gamas del gris que resaltan junto con sus líneas esquemáticas el claroscuro del paisaje y lo dotan de gran expresividad. Un cuadro representativo de esta época es "Puerto de Pollença", que obtuvo la medalla de honor en el XXVIII Salón de Otoño.
En la década de los setenta su pintura se vuelve matérica, la gama de colores se aclara e inicia la que se denomina como su etapa blanca, con un acusado predominio de este color. Estos años coinciden con su visita a Cadaqués y Girona, y sobre todo a Ibiza, lugar plasmado en varias telas representativas de esta época. A finales de los setenta, concretamente en 1977, fundó la galería Bearn de Palma e instituyó el Premio Antoni Gelabert de dibujo.
La obra de Miquel Llabrés logró una gran popularidad gracias a las numerosas exposiciones que realizó tanto en Mallorca como en la península y el extranjero. Fue un artista que gozó de un alto grado de aceptación y de reconocimiento y se le considera uno de los más destacados paisajistas contemporáneos, aunque para él el paisaje, en ocasiones, solo fuera un medio para plasmar su búsqueda de lo que era en esencia la pintura.

Esta exposición homenaje podrá visitarse hasta el próximo día 30 de noviembre en el Museo de Pollença.

jueves, 20 de noviembre de 2008

Ska hasta el amanecer

Ska en la Factoria de So



Actuarán The Unjerks (Hamburgo,Alemanía), Ska Bottom boat (Lloeseta) y los Dj: Mateu Alligátor, Aka Tortuga, Ferran Vallés y Federevil.

Cases de Son Llaüt, Santa maria del Camí. El 22 de novembre a partir de las 10

La información es de Ferran Vallés en su blog Phono da a conocer propuestas musicales muy intersantes.

domingo, 16 de noviembre de 2008

Carmen Jaime + Dunia Hedreville + Sheila Gathwright

Voces instrumentales



Las cantantes Carmen Jaime, Dunia Hedreville y Sheila Gathwright darán un concierto en el que sus voces serán el único instrumento. El lugar: Sa Botiga de Buffon's. Valldargent, 29; y el horario a las 22:30.

jueves, 13 de noviembre de 2008

Miquel Mesquida en Can Planes

Percepciones oníricas



El Museo Can Planes de Sa Pobla acoge hasta el próximo 14 de diciembre los trabajos más recientes del pintor y escultor Miquel Mesquida.

Suprema gosadia – només en la gosadia hi rau l’acte creatiu,- la de Mesquida, voler plasmar fragment de somnis que, sols un artista que mossega el cel caminant per l’infern a la terra estant, pot intentar. Com ell ho ha fet.
Des d’una volguda, i analítica, objectivitat artística cultural, l’objectivitat és una mirada a l’exterior per tornar-se a mirar l’interior, Miquel Mesquida, en una reflexió de la distància sense mesura, assoleix interpretar, subjectivament descriptiu, gairebé autobiogràfic, els elements, paisatge i atmosfera d’uns àmbits, d’un món que no és món. El món oníric. El món dels somnis que glateixen, nit rere nit, dins l’aguait del pols que compta estrelles perdudes pel cel, o roselles enceses entre el blat o grans de sorra banyats per la salada mar.
Cavalls, ànecs, àngels, homes es veuen a traves de les tensions internes pròpies de la morfologia onírica. Rostres, mans, cors són figuracions equilibradament desequilibrades, a vegades imatges de disforja aparença, envoltes per una llum neta irreal. La llum que apareix abans de la claror definidora.
Mesquida, actor i receptor dels esdeveniments onírics, en percebre la fabulació dels somnis, explora la densitat iconològica, allà un cavall sorgeix de les portes del misteri, allà l’àngel esllanguit amb les ales triomfants. Cada quadre és una suma d’instants fugissers, arquitectures laberíntiques, simetries desiguals i desproporcionades. Angoixes personals que es precipiten en mitologies personals. Xardorosa germinació estètica.
La pintura de Miquel Mesquida, com obra evolutiva, és força complexa. Passa d’uns collage farcits d’una pudorosa tendresa a un violent esclató de colors vius, volcànics que, a voltes, festegen tot amorosits, uns escrits de tipografia evanescent que és l’única manera desassenyada d’escriure amb sentit. Com un renou que creix i prové de la llunyania, apareixen unes figures primitives, herències antropològiques de signes i formes. La figura humana, trement en la seva solitud còsmica, es descompon formant intencionats referents emotius. L’emoció és filosòfica.
Crec que no i ha pintura conceptualment més oberta que aquella que, en la seva expressió pictòrica, aparentment, es tanca sobre sí mateixa en composicions que, sense ser simbòliques – seria massa fàcil com a llenguatge comunicatiu -, insinua un univers carregat de signes que, ja abans de concretar-se, han transformat el seu significat, la seva energia primigènia, en espurnes sensibles de la gran foguera, sempre amagada, de l’emoció, commoció, humana i artística, intel•lectual, vital. Sols en la foscor estant podrem entendre el miracle de la llum. Aquesta és l’estratègia del fragmentari filament dels somnis.
Miquel Mesquida, amb les seves “Percepcions oníriques”, deixant l’home com a únic epicentre clarivident, inici i final de tota aventura artística, de tota percepció onírica, ens obri una via generosa, palpitant i voraginosa, per entendre la valenta sinceritat pictòrica d’un càntic que va de les profunditats a les altures.

Fragmento del artículo "Càntic de les profundiats en les altures, la pintura de Miquel Mesquida" de Alexandre Ballester publicado en el Manacor.com

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Peter Zimmermann en la galería Horrach Moya

Nuevos territorios de la abstracción



Zimmermann, (Friburgo, Alemania, 1956) es uno de los pintores abstractos más singulares de la escena internacional contemporánea. Desde los años 80, Zimmermann desarrolla un lenguaje visual muy personal en el que el azar y los procesos digitales determinan parte de la creación artística en detrimento de otros métodos más tradicionales de la pintura.
Las piezas de esta exposición están realizadas a partir de otras realizadas por el autor o de documentos gráficos; en ambos casos, todos los trabajos se someten a una manipulación informática, posteriormente son escaneadas, se imprimen en una transparencia y se proyectan sobre la tela definitiva. Tras copiarse los contornos, se vierten materiales sintéticos, como la resina epoxídica, que llevan disueltos pigmentos de color y que confieren a sus piezas una textura especial como gelatinosa y formas de contornos indeterminados y colores irreales que recuerdan a la psicodelia.

La exposición de Peter Zimmermann podrá visitarse hasta el 13 de enero de 2009 en la galeria Horrach Moyà, Calle Catalunya, 4, Palma.

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martes, 11 de noviembre de 2008

Tres exposiciones en Can Gelabert

Òscar Florit, Alice Morse y Jaume Gual exponen en Binissalem


Òscar Florit


Bajo el título Blanco, el pintor Òscar Florit (Palma, 1977) presenta en las Salas Florentines de Can Gelabert un conjunto de dieciséis pinturas en varios formatos fruto de intervenciones sucesivas realizadas entre el 2006 i 2008. Gestualidat, collage, pinceladas vigorosas, esprai... son algunas de las características del conjunto de obras que Florit muestra en Can Gelabert.
Alice Morse (Eivissa, 1962) actualmente residente en Mallorca, muestra a la Sala del Directorio del Casal de Cultura Can Gelabert un total de diecisiete obras en las que los colores reflejan una energía de gran dinamismo abstracto y simbología.
Finalmente, la exposición Tiendas de Palma es el resultado juntar dos proyectos realizados por Jaume Gual en 1982 y en 2007 dónde, a través de la fotografía, se puede ver cómo han evolucionado (y a menudo, desaparecido) las fachadas de los antiguos comercios de la Palma de comienzos de los años ochenta. Según Gual, este trabajo (publicado al 1986 por el Ayuntamiento de Palma y vuelto a publicar al 2007, edición en la que se adjuntan las fotografías actuales) nos remonta a una época dónde las tiendas eran diferentes unas de las otras y no estaban sometidas a la dictadura de una sociedad de consumo masificada que uniformiza todo lo que toca y que afecta, no sólo las mercancías, si no también los comercios que las venden.
Las exposiciones permanecerán abiertas hasta día 5 de diciembre en el Casal de Cultura Can Gelabert, en Binissalem, de lunes a viernes de 15 a 21 horas y sábados de 17 a 20 horas.

José Antonio Orts en la Sala Pelaires

Instalaciones interactivas de luz y sonido

La Sala Pelaires presenta una exposición de la obra más reciente de José Antonio Orts (Meliana, Valencia, 1955). Un artista multidisciplinar que aúna la música con las artes plásticas. En sus instalaciones utiliza esculturas interactivas, sensibles a los cambios de luz y desplazamientos del aire que el propio espectador provoca al visitarlas, produciendo así variaciones de luz y sonido.


Para Eolo, instalación en la Sala Pelaires


"En general en mis trabajos busco que las obras no sean puros elementos inertes, es decir, intento que sean obras "vivas". Es por eso que me esfuerzo en hacer piezas sensibles que captan la energía del espectador. La idea fundamental es que la mejor manera de dotar de "vida" a una obra es haciendo que esa vida la tome del propio espectador que la contempla, o, en algunos casos, de la naturaleza que la rodea.
La forma de las piezas surge siempre de su función, por lo que hay una unión esencial entre forma visual y efecto producido. La distribución de los elementos de la instalación en el espacio se hace atendiendo a la vez a criterios visuales y sonoros o lumínicos; los primeros, derivados de la plasticidad del objeto y de la arquitectura del lugar, los segundos, procedentes de la composición musical y de la relación de la obra con el espectador. Los materiales electrónicos no solo están usados por su función (electrónica) sino que además constituyen los materiales plásticos normales de la pieza.
Las instalaciones están pensadas para que el visitante entre dentro de ellas y las recorra. Al hacerlo, el espectador habita la obra y se convierte en parte fundamental de ella, pues la aviva, la humaniza y la completa. "

J. A. Orts

Fechas de la exposición: 06/11/08 al 17/12/08
Sala Pelaires. Calle Pelaires 5
07001 Palma de Mallorca

jueves, 6 de noviembre de 2008

Henry Moore Obra gráfica

Henry Moore Obra gráfica en Museu d´Art Espanyol Contemporani

10 noviembre 2008 – 14 febrero 2009




La exposición presenta al público tres series de obra gráfica que fueron editadas en carpetas por el que es considerado el escultor británico más importante del siglo XX: Meditations on the Effigy, Elephant Skull y La poésie. Moore explora en ellos sus temas principales: el desnudo femenino reclinado y las figuras de madre e hijo, los estudios de animales y de formas naturales. Moore había trabajado en esos temas y motivos sobre todo en la escultura, pero en la segunda parte de su larga vida de manera creciente mediante el dibujo y el género menos conocido de su trabajo artístico: el grabado, como en el caso de las obras de la presente exposición. Moore reunió a partir de los años cincuenta las mejores muestras de su obra gráfica en carpetas, y la presente selección demuestra la continua indagación de Moore en la multitud de técnicas del grabado y en los temas principales de su obra.
Se incluye la serie de 12 litografías y 2 grabados al agufuerte, en color y en blanco y negro, publicadas en relación con la carpeta Meditations on the Effigy, publicada con motivo del 70 cumpleaños del artista en 1968 por la Marlborough Gallery de Londres. Además, se presentan los 28 grabados en blanco y negro editados en 1970 en una carpeta por Gerald Cramer bajo el título Elephant Skull, inspirándose en el cráneo monumental de un elefante africano que le fue regalado por sus amigos, el biólogo Sir Julian y Lady Juliet Huxley, en 1966. El objeto fascinó a Moore, dando lugar a la presente serie de aguafuertes, en las que se exploran los espacios interiores y exteriores que le proporcionaban el objeto.
Además de las imágenes en blanco y negro de Elephant Skull, la carpeta La poésie, editada por la Asociación de Bibliófilos Art et Poésie en 1976 en París, muestra siete ilustraciones en color realizadas en una nueva técnica litográfica desarrollada por Moore junto con con Stanley Jones, de los Curwen Studios de Londres, donde también se produjeron éstas litografías. El álbum le había sido encargado para ilustrar un grupo de poetas franceses elegidos por el presidente francés, Georges Pompidou, pero dado que las citas de los poetas le fueron entregados posteriormente, Moore eligió los motivos libremente, recurriendo a sus temas preferidos, como figuras de pie y reclinadas, retratos femeninos, ideas para esculturas, formas de piedras, etc. La técnica llamada “litografía de diazo” consiste en dibujar el motivo con tinta negra sobre una película y transferirlo luego sobre la piedra litográfica mediante luz ultravioleta. El mismo motivo se podía repetir sobre varias piedras con intensidades y tonalidad diferentes, según el tiempo de exposición a la luz ultravioleta.

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miércoles, 5 de noviembre de 2008

Martínez-Bueno After Shooting

Martínez Bueno en SKyistheLimit




Después de la toma. (concepto)
Atraído por la idea de fotografiar espacios fuera del “tiempo lógico” para los que estos lugares fueron concebidos, disparo mi cámara en platós de fotografía vacíos, inertes, quietos. Entendiendo que el “tiempo lógico de un plató'”, es en el cual un personaje o grupo se retrata en él. Captar una fotografía del plató, sin nadie, es decir, fuera de ese “tiempo lógico”, lo extirpa de todo sentido primario, básico. Logrando de este modo, la abstracción real del set de fotografía y consiguiendo un No-lugar creado de manera inconsciente por su proyectista. Los set están basados en espacios reales, monumentos históricos o lugares del todo bucólicos, pero todos ellos son una interpretación personal de esos sitios, una versión “mejorada”, de la realidad . Estos espacios, productos de
una imaginación perfecta para las necesidades del consumidor, nos indican parte de la idiosincrasia del pueblo que acude a ser fotografiado en estos set. Paradójicamente, el lugar usado para retratarse un individuo, termina retratando a la sociedad a la que este individuo pertenece. Abriendo más el campo de la toma, es decir, sacando equipo técnico de los platós o bien, pequeños detalles de suelo o partes del estudio, anclo estos “No espacio”, en lugares verdaderos. Y usando la seriación, una perspectiva frontal y objetiva, lejos de un encuadre poético o personal, una selección neutra de la lente, convierto el trabajo en un documento descriptivo de una sociedad concreta. Sin olvidar que cada toma tiene un valor conceptual singular y único.

Martínez Bueno

Mediante sus fotografías nos muestra una realidad social subjetivizada a través de su cámara. Javier Martínez Bueno pertenece a una generación de artistas-fotógrafos españoles que han superado el objetivismo alemán y el documentalismo americano, en el que han sido educados. En sus trabajos retrata espacios encontradados que ya contienen información por si mismos, interviniéndolos ya sea técnicamente a través de la iluminación, ya sea recolocando objetos que para él son importantes en la escena. Subjetiviza entonces el punto de vista, obteniendo como resultado una imagen
menos fría, con un “espíritu mediterrráneo” usando las palabras del artita.

After Shooting podrá verse hasta el 15 de enero de 2009.
Costa Santa Creu 8, Palma


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lunes, 3 de noviembre de 2008

Camila Puls de la Cruz MetaforaT

MetaforàT, La palabra en la frontera



Nací un 31 de enero de 1980 en la ciudad mediterránea de Barcelona. A los 9 años la familia puso timón y vida en Mallorca. Seguían tan solo la presencia del tiempo perdido, una naturaleza silenciosa como estridente; seguían el grito de un mar amado que nos envolvió. Y así fue como crecí entre un mar de trigo en San Juan, y una ciudad entrañable como Palma, a donde cada día bajábamos para ir al colegio. Qué bien encontrar las lechuzas, los conejos en el camino, y el techo tan claro dibujado al volver a casa! Aquí vivimos y partimos y volvemos. Así es esta isla que te atrapa tan dulce como férrea. Esta será la primera exposición que tanto tiempo me ha retirado en un silencio “embarazoso”. Y me siento feliz de hacerla aquí, en mi isla, donde viven las personas con las que he crecido. Poder hablar, mostrar directamente una búsqueda, que era pensando en ellos. [metaforáT] es una exposición enfocada a la idea de ser humano como individuo; a un concepto unificado de mutación y lenguaje. El motor que pregunta y pregunta, son las relaciones humanas y la visión hacia uno mismo. El eje, es un conjunto de redes de significación, un juego de conexiones entre imagen y palabra, un juego de asociación fonética entre significantes y significados. Un juego emplazado en una dimensión de pluralismo idiomático donde los nexos fonéticos y visuales cobran un sentido inesperado y útil. Unas lecturas enlazadas desde una lógica libre de leyes y dogmas, dando sentido al campo que supone el arte.
La idea de metáfora como herramienta; en un desenlace fuera de la inercia a la hora de formar conceptos y entender la imagen, dando valor a la intuición propia. Una parte del recorrido son ilustraciones simbólicas enraizadas en nuestro trasfondo cultural occidental; mitología mediterránea (greco-romana o egipcia...); y el simbolismo judeocristiano. Imágenes que permanecen en nuestro inconsciente colectivo, que replantean conceptos enclave como la prensilidad del pensamiento, la culpa y la ansiedad; el autogobierno; la vibración y la trascendencia...o la risa. Otra parte de las imágenes aborda los mismos conceptos, tomando como referencia la ciencia, la vida cotidiana y el imaginario contemporáneo.
Un viaje a través de un agujero, que como Alicia, comienza por la curiosidad. Y así cae, con una onomatopeya [ de doble lectura: “ay” (dolor o sorpresa) o “ya” (fluir o reir)] por la galería del conejo sin tiempo. A partir de aquí, una historia por el mundo propio y común...por sentidos perdidos y reencontrados.

Camila Puls



El proyecto metaforàT de Camila Puls de la Cruz, ha sido escogido por el Institut d´Estudis Baleàrics para exponerlo en la Posada de Biniatró en Campanet, lugar en el que podrá verse hasta el próximo 29 de noviembre.

miércoles, 29 de octubre de 2008

Pere Botsmann BANEK Exposició typograffical






Pere Miquel Botsmann Bennassar (BANEK), Felanitx, 1988, expone hasta el 16 de noviembe en el espai d’art Miquela Nicolau, c/major,nº 84, en Felanitx.

En 2003 descubre el mundo del hip-hop, y comienza a pintar graffiti. Con el tiempo desarrolla una pasión por las letras y el estudio de las mismas como elementos enrevesados y tridimensionales. Sigue el estilo “3D” o “model pastel”, un estilo de graffiti tridimensional que se aleja del clásico de letras y elementos planos.

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martes, 28 de octubre de 2008

Marina Abramovic Genital Panic

Marina Abramovich recrea la performance Pánico Genital de Valie Export

Marina Abramovic recrea la histórica performance Action Pants: Genital Panic de Valie Export realizada en 1969. En esta pieza radical que podría traducirse como (Acciones de pantalón: Pánico Genital), la artista austriaca Valie Export acudió a un cine de Munich metralleta en mano y vestida con unos pantalones vaqueros abiertos a la altura de los genitales, provocando el estupor del público. Marina Abramowic realiza esta famosa pieza y se cuestiona ¿Cómo es posible recrear esas performances si el autor ya no las hace? ¿Y en qué condiciones deberían hacerse?




Marina Abramovic es una artista de performance que investiga y explora los límites de lo psíquico y mental. En sus performance se ha lacerado a sí misma, se ha flagelado, ha congelado su cuerpo en bloques de hielo, tomando drogas para controlar sus músculos, con las cuales ha quedado muchas veces inconsciente, y hasta en una ocasión casi morir de asfixia recostada dentro de una cortina de oxígeno y llamas.
Sin embargo, los objetivos Abramovic poco tienen que ver con el sensacionalismo. Sus performances resultan una serie de experimentos que pretenden identificar y definir los límites en el control sobre su cuerpo; la relación entre el público con la performer; del arte y, por extensión, de los códigos que gobiernan la sociedad. Su ambicioso y profundo proyecto se encamina a descubrir un método, a través del arte, que haga a la gente más libre.
Muchas de las performances de Abramovic en estos 30 años han sido brutales y desconcertantes. Algunas de ellas concluyen sólo cuando alguien del público interviene. Buscando el límite en el cual el público comprueba su resistencia a atestiguar el dolor y el sufrimiento, Abramovic crea un punto de ruptura, marcando radicalmente las sensaciones del presente del espectador. Ella ha dicho: "Estoy interesada en un arte que perturbe y rompa ese momento de peligro; por eso, el público tiene que estar mirando aquí y ahora. Deja que el peligro te concentre; esta es la idea, que te concentres en el ahora".
Nacida en Belgrado en 1946, hija de guerrilleros yugoslavos, sus primeras performances fueron una forma de rebelarse contra su estricta educación y la cultura represiva del gobierno de posguerra de Tito. Como todo su trabajo, eran purificaciones rituales encaminadas a liberarla de su pasado. En 1975 Abramovic conoce a Ulay, un artista con quien tiene en común sus preocupaciones artísticas. En las siguientes dos décadas viven y colaboran juntos, realizan performances y viajan alrededor del mundo. Sus performances exploran los parámetros del poder y la dependencia dentro de la relación triangular entre ambos y los espectadores.
En 1977 realizaron una performance titulada Breathing in/Breathing Out, en donde unieron sus bocas con fuerza y pegaron micrófonos a sus gargantas, respirando el oxígeno de los pulmones del otro, hasta que al final -al límite con la asfixia- sólo intercambiaban dióxido de carbono. En otra, Rest Energy (1980), sostenían un arco tirante cargado con una flecha y apuntando al corazón de Abramovic, con sólo la fuerza de sus cuerpos manteniendo la tensión. Micrófonos grabaron la rápida aceleración del pulso de ambos.
Entre 1981 y 1987 Abramovic y Ulay hicieron una serie de performances acerca del mundo titulada "Nightsea Crossing", en la cual se instalaron como tableaux vivants en museos. En el último trabajo en conjunto, "The Great Wall Walk" (1988), caminaron 2.000 km a lo largo de la Gran Muralla China, comenzando cada uno en los extremos opuestos, encontrándose en el medio.
Abramovic se ha descrito a si misma como la "Abuela del Arte de la Performance". De aquella generación de artistas de los 70 quienes eligieron la performance como modo de expresión, Amabramovic es quizás la más activa actualmente. En 1997 mostró una video instalación y preformance, Balkan Baroque, en la Bienal de Venecia, y recibió el premio León de Oro a la mejor artista.

Artículo de la revista Enfocarte

domingo, 26 de octubre de 2008

Aillats exposición fotográfica



fotografía de Moises Saman

AÏLLATS, OTRA MIRADA A LA REALIDAD

La exposición Aïllats es un trabajo colectivo coordinado por el fotógrafo mallorquín Pep Bonet, en el que ocho fotógrafos internacionales exponen sus imágenes en torno al concepto del aislamiento. Esta muestra, que se organizó originalmente en el festival Alternatilla y que pudo verse en la plaza de España de Palma, tiene como objetivo acercar el arte de la imagen al público y, a la vez, ofrecer una visión de la realidad en clave personal, sin ninguna manipulación.
En está ocasión el escenario escogido es la plaza Auditori de Porreres y en ella podrán verse hasta el 28 de octubre los trabajos de los ocho fotógrafos participantes: Antonin Kratochvil (Checoslovaquia), Heidi Bradner (Alaska), Lorena Ros (España), Moisés Saman (Perú), Paolo Pellegrin (Italia), Raúl Cañibano (Cuba), Raúl Ortega (México) y Tim Hetherington (Gran Bretaña), que mostrarán cómo se vive el aislamiento en diversas partes del mundo.
Se trata de fotografías de autor y documentalismo a través de la imagen realizado desde la libertad para elegir sujeto, objeto y estilo; defendiendo este medio de expresión como arte sin que pierda su valor de testimonio y sin caer en la manipulación. La fotografía es entendida como otra mirada de la realidad, en la que el periodismo y el arte se entremezclan.
Las series que se pueden ver en la exposición Aïllats son Godville, o la ciudad de Dios, un ensayo fotográfico Antonín Kratochvíl realizado con imágenes capturadas en un viaje a través de América. Este fotógrafo checo, nacido en 1947 en Bohemia del Norte, pero que creció en Praga y estudió en Holanda, se traslado en 1972 a Estados Unidos y trabajó para Los Angeles Times, Playboy y Vogue. En 1991 obtuvo el premio Periodista del Año en Nueva York. En el año 1997 y 2003 ganó el World Press Photo por los retratos volvió a conseguir el World Press Photo entre otros galardones. En los últimos 25 años Kratochvíl ha fotografiado la guerra en Afganistán y Ruanda, los niños de la calle en Guatemala y Mongolia, los refugiados de Tibet, las minas en Bolivia o el tsunami en Tailandia.
La siguiente serie Chechnya, de Heidi Bradner, reúne un grupo de imágenes "políticamente incorrectas" que son clicks directos a imágenes de gran crudeza que resumen en instantáneas diez años del conflicto de Chechenia. Bradner es una de las pocas fotógrafas que han cubierto desde el principio esta guerra, una de las más largas, menos visible y más olvidadas de Europa.
Otra de las fotógrafas participantes es la española Lorena Ros, que en su trabajo Disfranchised Youth muestra imágenes de la sordidez de la prostitución, las drogas y la violencia de género.
Las instantáneas del peruano Moises Saman, documentan otra guerra, en este caso la lucha contínua a la que se enfrenta el pueblo de Afganistán. Su serie Afghanistan: Broken Promise, es el retrato de este largo conflicto, desde la invasión americana en el 2001 hasta el resurgir de los Talibanes en el 2007.
La serie del italiano Paolo Pellegrin: Romania refleja los grandes contrastes de un país de la antigua órbita Soviética como Rumanía, con algunas ciudades como Bucarest bastante modernas, pero con grandes áreas rurales en las que parece que se entrara en otro mundo. Pellegrin plasma en sus instantáneas los fantasmas de los regímenes recientes que todavía siguen muy presentes en la sociedad rumana.
La sexta serie de esta exposición es Tierra Guajira del cubano Raúl Cañibano. Para realizarla el fotógrafo recorrió las regiones rurales de Cuba con el objetivo de documentar modos de vida y tradiciones y a la vez rendir un homenaje al campesinado. Su mirada no presenta tragedias ni cosas extraordinarias, sino momentos del día a día sencillos y cotidianos.
Chiapas: parpadeos y ráfagas es el título de la serie de fotografías del mejicano Raúl Ortega; en ellas refleja a través de instantáneas el estado inseguro y violento de esta zona, en la que del nacimiento a la muerte hay sólo un paso. Y finalmente, esta el trabajo No men, no War, del británico Tim Hetherington, último ganador del World Press Photo. En esta serie narra el conflicto armado de Liberia a través de grafittis. En principio, puede parecer una manera más distante de ver la guerra, pero estas imágenes documentan atrocidades como los pillajes, el reclutamiento de niños soldado, la violación y el abuso sexual en una sociedad donde se convirtió a los niños en asesinos.

Nit de l'Art en Porreres
Coincidiendo con la Fira de Otoño, Porreres organiza un completo programa de actividades culturales en diferentes espacios de la localidad, que incluye desde exposiciones y conciertos a montajes diversos en los que la música se mezcla con la poesía, la danza y el teatro. Pero este año, primera se ha celebrado la Nit de l’art, en la que se inauguraron numerosas exposiciones que podrán visitarse hasta el 28 de octubre. En el Museu y Fons artistic la de los artistas Velcha Velchev y Tomás Barceló; el edificio del Escorxador acogió las obras de Jorge Azri, Toni Tramullas y David Martí; en el Auditori Municipal puede verse una colectiva de Crespí i Alemany, Dolors Comas, Pep Alamitos y Xavier Llull; la Sala de exposición la Caixa albergó la muestra de Jaume Terrassa y la Sala polivalente las de Malena Tous y Felix Coll. El Centro de formación musical mustra los trabajos de Antoni Portas, Pep Suari y Tolo Albertí. En el Moli de N’Amengual puede visitarse la muestra de Amelia García y Francesc Grimalt y en las Bodegas Mesquida la de Alamitos y Toni Mandiliego. Y finalmente, la plaça Auditori es el escenario de Aïllats, una muestra colectiva de fotografía que reúne instantáneas de ocho grandes fotógrafos internacionales.
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sábado, 25 de octubre de 2008

ArtFutura 2008 Festival de la creatividad digital



El programa Art Futura presenta los trabajos más innovadores que se están realizando actualmente en el panorama internacional en los ámbitos del new media, el diseño interactivo, los videojuegos y la animación digital. Entre los especiales, la escuela francesa Supinfocom y el animador japonès Satoshi Tamioka, y dos impactantes documentales: Das Netz, de Lutz Dammbeck, y Playing Columbine, de Danny Ledonne. Otra de los apartados del Festival 3D en el que se pueden ver los cortos «Grunt» y «The Monstrejo» producidos por MAISCA, el Master of Art in Image Synthesis and Computer Animation de la UIB.

El eje principal sobre el que gira esta edición de 2008 es el video documental sobre la exposición Máquinas & Almas, presentada en el Reina Sofía y que explora la convergencia entre arte, ciencia y tecnología, profundizando en el hecho de que, a comienzos del siglo XXI, arte y ciencia discurren por caminos paralelos.
La muestra reúne el trabajo de 17 artistas escogidos por su capacidad de aunar arte y ciencia, creatividad, sentimiento y misterio. Tienen múltiples características comunes y trayectorias muy distintas. En común, una larga carrera, el hecho de ser tremendamente respetados en sus campos y una madurez creativa propia de quien ha desarrollado su obra a lo largo del tiempo. Les distingue la edad, su formación, los materiales que utilizan y los métodos de trabajo que emplea cada uno, pero todos utilizan la tecnología digital como herramienta. La utilizan de formas diversa como soporte, como elemento desarrollador, como medio de investigación, como trampolín a sensibilidades nuevas.
En él se pueden contemplar desde los retratos interactivos de Rozin a los robots antropomórficos de McMurtrie, las esculturas de luz de Friedlander, los ferrofluidos de Sachiko Kodama, las “bestias de la playa” de Theo Jansen, el “software art” de John Maeda, las pinturas digitales de Evru, las instalaciones de Daniel Canogar y el arte inclasificable de David Byrne, Ben Rubin, Vuk Cosic, Pierre Huyghe o Natalie Jeremijenko

viernes, 24 de octubre de 2008

Batecs de Yolanda Adrover en Addaya



Batecs es una mirada sobre la identidad femenina desde las relaciones de poder. A través del dibujo y la instalación se va hilvanando el problema de la identidad y el conflicto con el otro. La dominación y el deseo de poder superan el autocontrol, convirtiendo las ilusiones del otro en súplicas. También es una mirada al mundo infantil y los roles hirientes de la convivencia escolar. Un recorrido que acaba por convertirnos en pacientes y sumisas hormigas que conviven con el yugo de la mirada del otro, o por el contrario exorcizan su pasividad convirtiéndose en malas y perversas.

Inauguració- divendres 24 d’octubre a les 20h00.
DIRECCIÓ: Addaya Centre d’Art Contemporani- C/ Alexandre Rosselló, 10 Alaró.
L’exposició romandrà oberta al públic fins el 5 de desembre.
HORARIS: Dimarts a dissabte: 10h30-13h30; 17h00-20h30.

jueves, 23 de octubre de 2008

Ocean Without a Shore de Bill Viola

Océano sin orillas, la intersección entre la vida y la muerte

La obra Ocean Without a Shore (Océano sin orillas) de Bill Viola presenta una progresión cíclica de imágenes que intentan plasmar el instante en que el hombre atraviesa el umbral entre la materia y esencia.
Este video es un fragmento de la instalación realizada en la capilla de San Gallo de Venecia, en 2007.



Bill Viola, nació en 1951, lleva más de 30 años trabajando en videoarte, videos arquitectónicos, música ambiental, música electrónica y en proyectos para televisión. Por su originalidad y la precisión en su trabajo es uno de los artistas más reconocidos mundialmente.
Desde los años 70 Viola crea sus filmes utilizando el video como fenómeno hacia el sentido de percepción y provoca la introspección del espectador. El tema central de sus trabajos tiene sus raíces en el misticismo y en las tradiciones espirituales, cristianismo, budismo zen, sufismo e islamismo.
Como cita Piedad Solans en su escrito sobre el artista: “Bill Viola explora la naturaleza del dolor humano, el milenario metabolismo entre cuerpo y emoción, y los elementos – lágrima, fuego, agua, sangre – que los integran. Su obra adquiere una belleza dramática (…) tramada en la contención, la mesura y la pulcritud técnica.”

miércoles, 22 de octubre de 2008

Tercera semana del Festival PING!



Además de las exposiciones e instalaciones mostradas hasta ahora, este fin de semana PING te invita a probar la nueva instalación de Andre Bartetzki “Cuerda Infinita”. Ponte en contacto con el universo: tiéndete en una tabla de madera y absorbe las vibraciones del mundo natural. Las tablas están conectadas a “agitadores de cuerpos”, pesados altavoces que transmiten las frecuencias recogidas por resonantes láminas de metal que se mueven al viento, pasando a través de 20 metros de reverberantes cuerdas de piano. El compositor y artista de nuevos medios Bartetzki, de Berlín, tiene un grado en Ingeniería, así como un impresionante currículum de composiciones electro-acústicas y colaboraciones.
El viernes, a las 21:30 h, empiezan las performances con Eve Neeracher y Michael Hawk, con "RGB/ RED GREEN BLUE", una proposición tecnológica compleja, que tiene lugar en dos salas simultáneamente, usando la danza y el vídeo, cada uno de ellos influenciando al otro. El espectador puede pasear entre ambos, tratando de imaginarse como se produce la magia…un ardiente universo filmado, proyectado dentro de la silueta del danzante.
Tras esto, seguirá el concierto “EARTH SONGS” a las 23:00 h, del especialista de la orquesta de portátiles Andrés Jankowski y la electro-violinista Lenka Zupkova. Está basado en la emisión en vivo de una emisora de radio (Inspire VLF), que transmite frecuencias y ondas a la atmósfera del mundo, junto a sonidos que vienen directamente del entorno, y las ondas de los planetas del Sistema Solar.
El SÁBADO, una oportunidad de experimentar Palma de una manera distinta, Únete en un paseo a través de la ciudad con micrófonos y cámaras sujetos a tus piernas…y en tu mano, receptores que identifican el enjambre de señales invisibles que nos rodean: imágenes y frecuencias de las cámaras de seguridad, los teléfonos móviles, las alarmas…Empezará a las 12 del mediodía en la Plaza Mayor, donde comienza la calle San Miguel. Andratx: El domingo, 19 de octubre, a las 17:00 h en la Plaza España
A las 21:30 h "OUT OF TIME/SPACE" con Lenka Zupkova al violín eléctrico, Mihkail Honesseau, bailarín y coreógrafo, y Andre Bartetzki que interactuará con un bloque de hielo de media tonelada, suspendido desde el techo, iluminado y chorreante…
A las 23:00 h, el as de la Game-boy Wauter Mannaert de Bélgica, inmortalizado en el mundo de la micro-música con el nombre lo-Bat.
En Compartelibertad puede verse un video de la instalación de la artista Vezomi, Vesna Z. Mímica.
PING¡ 08

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lunes, 20 de octubre de 2008

El arte del Tíbet

El arte del Tíbet. Imágenes para la contemplación

Esta exposición reúne una gran colección de obras de arte budista tibetano procedente de los Musées Royaux d'Art et d'Histoire de Bruselas (MRAH) e incluye pinturas, esculturas y objetos rituales que ilustran las distintas facetas de esta cultura; desde la historia sagrada a los ceremoniales, pasando por la importancia de las órdenes monásticas.

La muestra presenta 53 pinturas desplegables tibetanas (tangka) y 52 objetos rituales y esculturas que datan desde el siglo XVII hasta el XIX. Todas ellas provienen de la colección del Tíbet de Léon Verbert, quien cautivado por el Oriente lejano reunió en sus viajes entre 1907 y 1935 los 600 elementos que integran la colección, que incluye 385 piezas tibetanas y sinotibetanas y 220 chinas. La colección fue adquirida por los Museos Reales de Arte e Historia de Bélgica en el año 1956.


Del 16/10/2008 al 08/02/2009
Lugar: CaixaForum Palma
Dirección: Plaça Weyler, 3



viernes, 10 de octubre de 2008

IV Mostra de Dansa i Teatre Contemporanis Palma 2008



Del 15 al 19 de octubre Palma será la sede de una Mostra que cada año lleva a cabo la Red de Teatros Alternativos, una asociación de espacios escénicos integrada por 32 salas alternativas de doce Comunidades Autónomas que tiene como objetivo difundir el teatro y la danza contemporáneos.
En la presente edición participaran 18 compañías en cinco espacios de Palma: Teatre del Mar, Teatre Xesc Forteza, la Sala Petita del Principal y el Teatre Sans Palma. Paralelamente a la Muestra, se celebrará también el XIV Congreso de la Red de Teatros Alternativos, con la asistencia de todos los representantes de las salas asociadas a la Red.
Consultar el programa completo

martes, 7 de octubre de 2008

Katharina Pfeil en ABA ART



Bajo el título “BIOS. Basic Input Output System” las instalaciones, objetos, pinturas y obras sobre papel de la artista Katharina Pfeil nos sumergen en los procesos más elementales del ser humano y de la naturaleza. A través de la destrucción, la construcción, el sufrimiento y la liberación, Pfeil va tejiendo las transformaciones existenciales cíclicas del ser humano necesarias para su evolución.
La palabra BIOS también puede tener el sentido griego de “vida” y la –s final para la artista, a parte de ser un “sistema “, puede ser utilizado como “sphera”, es decir un espacio, un ambiente o un entorno.

ABA ART Contemporani
Porta de Santa Catalina 21

viernes, 3 de octubre de 2008

Luis Maraver en Can Fondo



Baño egipcio, técnica mixta sobre tela


La sala de Can Fondo inaugura hoy, a las 20,30 horas, Pintures i escultures de Luís Maraver, una exposición que podrá visitarse en este espacio hasta el próximo día 18 de noviembre. Se trata de una muestra que reúne la obra más reciente de este artista en diferentes soportes que van desde la pintura a la escultura pasando por las aguadas o acrílicos sobre papel.
Destaca la serie dedicada a las palanganas de artista que reúne una serie de piezas en las que el autor se integra en la obra, lanzándose a los recipientes de pintura, zambulléndose en ellos y pasando a formar un todo junto con los colores, los materiales o los utensilios que emplea.

Can Fondo, calle Serra, Alcúdia
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jueves, 2 de octubre de 2008

Lluis Fuster en Son Tugores


Lluís Fuster (1948-Palma de Mallorca) inaugurará su nueva exposición el próximo sábado 11 de octubre en el Casal Son Tugores de Alaró. Fuster, es un artista que se mueve con total libertad entre diferentes disciplinas, sea la pintura, la escultura, la fotografía o la instalación.
En esta nueva exposición, presentará obras recientes, obras que podemos definir como minimalistas, así como también lo es la propuesta conjunta, si nos referimos al planteamiento de la propia exposición, exposición en la que el artista viene trabajando estos últimos meses.
Fuster sigue utilizando los colores blanco y negro en estas nuevas obras, colores que utilizó ya en los años 80, en obras completamente abstractas. Según palabras del propio artista "parecen podríamos decir, dibujos pintados”, y añade que " de cualquier manera podrían parecer también, extraídos de una viñeta o de un cómic". En cierto modo son imágenes descontextualizadas, una frutera, un ramo de flores, siempre suelen estar acompañados por una línea que los sitúa sobre la mesa. Están pintados sólo los contornos, sin sombras, con una pincelada que en cualquier momento podría parecer insegura, a voluntad del artista. En estas pinturas encontraremos también ciertas influencias del cómic, del pop o del graffiti, es decir de estética urbana.
Sus nuevos trabajos, enmarcados con marcos que el artista ha encontrado paseando por las calles de ciudad y que ha reutilizado y pintado con el mismo blanco impoluto que las telas, no adornan ni limitan el contorno de la pintura, sino que se integran con la obra final. Uno de los protagonistas de gran parte de la serie serie, es un perro que siempre viene acompañado de un texto, como "se vende este perro" , "este perro tiene malas pulgas" o "mí perro tiene una cita".

Casal Son Tugores - Alaró
La exposición del 11 de octubre al 13 de diciembre.
Horarios: lunes a viernes de 16h00 a 20h00
sábado de 11h00 a 13h00.
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