martes, 30 de septiembre de 2008

PREMIO CIUTAT DE PALMA “ANTONI GELABERT” DE ARTES VISUALES 2008

PREMIO CIUTAT DE PALMA “ANTONI GELABERT” DE ARTES VISUALES 2008

1. El Premio Ciutat de Palma “Antonio Gelabert” de Artes Visuales 2008 estará dotado con 18.000 euros. Tanto el premio como su dotación serán indivisibles.
2. El premio se concederá a propuesta de un Jurado, cuyo veredicto será inapelable y no podrá quedar desierto.
3. El Ayuntamiento de Palma, como contrapartida a la dotación de la obra premiada, adquirirá la propiedad.
4. Los artistas interesados en participar en el Premio presentarán un dossier en donde harán constar los siguientes puntos:
A) Currículum académico y profesional, en donde figuren el nombre y apellidos, el NIF, la dirección y el teléfono.
B) Propuesta concreta de un máximo de cinco obras que se presenten al premio.
C) Fotografías de las obras realizadas a lo largo de los últimos años con la correspondiente ficha técnica.
D) Catálogos de las exposiciones realizadas los últimos años.
E) Copias de las reseñas bibliográficas y críticas que se consideren oportunas.
5. La admisión de los dossiers tendrá lugar, de lunes a viernes, de las 10,00 a las 14,00 horas, entre el 15 de septiembre y el 17 de octubre de 2008, en el Negociado de Museos y Exposiciones (Casal Solleric. Paseo del Born, 27. 07012 PALMA. E- mail: solleric@sf.a-palma.es. Tel. 971/722092). A su presentación se librará un recibo al artista o a su representante. Los dossiers también se podrán enviar, a portes pagados, al citado domicilio. Se admitirán los dossiers que lleguen por correo si la fecha de expedición no es posterior al 17 de octubre. Una vez el Jurado haya realizado la selección correspondiente, y a petición de los interesados, los dossiers serán devueltos a portes debidos.
6. La composición del Jurado, que será designada por la alcaldesa de Palma, se hará pública antes de finalizar el plazo de presentación de dossiers.
7. El Jurado del Premio, a la vista de los dossiers presentados y a partir de las propuestas concretas de cada autor, efectuará la selección de las obras que tengan que participar en la exposición que se realizará con motivo de las Fiestas de San Sebastián del año 2009. La relación de las obras seleccionadas no se hará pública antes de la inauguración de esta exposición.
8. La entrega de las obras seleccionadas la realizarán sus autores en el plazo indicado por el comisariado de la exposición. El Ayuntamiento de Palma se hará cargo de los gastos que origine el transporte de ida y vuelta de las obras seleccionadas, hasta un máximo de 210 euros por obra. Los correspondientes justificantes se librarán por el Negociado de Museos y Exposiciones en un término máximo de 15 días después de la devolución de la obra al autor.
9. El Negociado de Museos y Exposiciones dispondrá de un equipo profesional para realizar el montaje de la exposición, así como de los recursos habituales. Cualquier necesidad específica tendrá que ser suministrada por el propio autor.
10. Se tomarán las medidas necesarias respecto a la custodia y conservación de las obras seleccionadas aunque el Ayuntamiento de Palma no se hará responsable de los deterioros o accidentes de que puedan ser objeto las obras desde su entrega hasta su devolución.
11. Los autores seleccionados en la exposición dispondrán de un plazo máximo de dos meses, a partir de su clausura, para retirar o solicitar el envío de sus obras. A partir de esa fecha, el Ayuntamiento no se hará responsable de las obras no recogidas.
121. El hecho de presentarse al Premio Ciutat de Palma “Antoni Gelabert” de Artes Plásticas 2007 supone la aceptación estricta de estas bases. El Jurado del Premio tiene la facultad de interpretarlas y de suplir cualquier laguna o vacío de acuerdo con su finalidad.
Estas bases fueron aprobadas por la Junta de Gobierno en sesión celebrada el día 9 de julio de 2008.

La distancia del dibujo





Hasta el 18 de octubre, puede verse en el Museu d´Art Espanyol Contemporani la exposición La distancia del dibujo, que reúne 169 obras sobre papel: 130 realizadas por Joan Hernández Pijuan (Barcelona, 1931-2005) entre 1969 y 2005, más una selección de 39 dibujos de los conocidos como Iris de Pascua, que el artista catalán pintaba cada año, desde 1988, en época de Pascua. La Fundación Juan March ha realizado un catálogo donde se recogen, junto con varios textos, las 130 obras en papel y en publicación aparte un libro complementario que con el título de Iris de Pascua recoge una selección de esos dibujos, acompañados de un texto introductorio de Elvira Maluquer, la mujer de Hernández Pijuan.
La pintura sobre papel de Joan Hernández Pijuan constituye una fascinante aventura creativa desarrollada en el interior de una trayectoria ya en sí misma esencial y oblicua respecto a las diferentes corrientes plásticas coetáneas; una trayectoria que, con el paso del tiempo, manifiesta más claramente sus contornos, sus espacios de expansión, sus ritmos fluctuantes, su elástica unidad. No obstante, dentro de esos casi cuarenta años de quehacer artístico habita, como en una especie de territorio paralelo, el trabajo sobre papel, que parece invitar al espectador a recorrerlo de forma única y específica, es decir, sin comparaciones con el resto de piezas realizadas por el mismo artista.
A diferencia de lo que ocurre con numerosos pintores, la obra en papel de Hernández Pijuan no es un episodio tentativo para los trabajos hechos en otros soportes; no es un banco de pruebas donde experimentar, a una escala más dimensionable, ejercicios y resortes lingüísticos que posteriormente aparecerán amplificados en piezas de mayor envergadura. Por el contrario, Hernández Pijuan concibe el papel como un ámbito particular y sin extrapolación posible, un lugar propio, construido o adquirido mediante la sola y áspera perseverancia de entender cómo se comporta un material, qué manifiesta, cuáles son sus resistencias y sus resortes, hacia dónde encamina la dicción pictórica.
Prácticamente toda la obra de Hernández Pijuan es un permanente asedio de lo próximo, una constante circunvalación en torno a los objetos más prosaicos, a las imágenes más primordiales. En este proceso creativo la duda adopta un sentido casi obsesivo, se convierte en un verdadero motor artístico que obliga a cuestionar cualquier certeza, que incorpora un ritmo pausado y meditativo, sin asimetrías, mediante el cual la pintura parece dejar de ser enunciado para transformarse en confesión.
Existe en la obra de Hernández Pijuan una especie de poética de las cosas en su dimensión más prosaica, un refinamiento de lo común que prescinde de la vulgaridad y de lo grotesco. Sin embargo y aquí reside, quizás, uno de los equívocos a partir de los que se han interpretado gran cantidad de piezas del pintor barcelonés, esa elegancia de su pintura no es tanto un estilo, una forma de hacer el cuadro como una manera de pensarlo y, en cierto modo, de sentirlo. Me atrevería a decir que en la pintura de Hernández Pijuan hay una dimensión ética que no ha sido del todo explorada, una posición moral no moralizante que funciona como una especie de subtexto o hilo conductor, que se manifiesta, de forma superficial o estilística, como una delicadeza sobria, pero que, en realidad, es el reflejo de otra cosa, la resonancia sobre la superficie del cuadro de una manera pausada y personalísima de entender la pintura.

Valentín Roma;"Aproximación a la obra sobre papel de Joan Hernández Pijuan", extracto del catálogo.
Museu d’Art Espanyol Contemporani(Fundación Juan March)
Sant Miquel, 11
Palma
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Klaus Zylla


Klaus Zylla (1953) nació y se crió en la ciudad alemana de Cottbus. Al principio de su carrera profesional trabajó como serígrafo , oficio que le catapultaría hacia la pintura. Estudió en la escuela superior de arte, “Kunsthochschule Berlin-Weisensee” y fue director del taller de producción gráfica de la escuela superior de bellas artes, “Hochschule für Bildende Kunst” en Dresde. En el año 85 abrió su propio taller de serigrafía en el Berlin-Friedrichshain y terminó siendo uno de los serígrafos más solicitados por parte de los artistas de la RDA. Fue en este pequeño oasis lejos de las creaciones artísticas uniformes y controladas donde logró desarrollar su propio lenguaje visual nutrido del grafismo, la ilustración y la pintura expresiva. La caída del muro de Berlín en el 89 fue el inicio de una nueva etapa en la vida del artista caracterizada por el viaje a tierras desconocidas. En la actualidad Klaus Zylla vive y trabaja entre Berlín y Portugal.

Sobre la exposición

La exposición reúne 15 obras pictóricas, óleos sobre lienzo, de diferentes tamaños.

En el recién publicado catálogo el periodista Eberhard Piltz describe de forma muy precisa la pintura del artista: “Algunos cuadros gritan, otros guardan silencio . Los de Klaus Zylla murmuran, susurran ye imploran, aquí en voz en cuello, allá sigilosamente. Klaus Zylla es como un narrador de cuentos de oriente. Te encuentras rodeado del ruido del bazar, de los colores y las fragancias mientras escuchas el timbre melodioso de su voz. No entiendes todo. Tu conciencia percibe tan solo algún que otro fragmento de las historias, personajes borrosos, escenas irreales: los cuadros de Klaus Zylla”.


Fecha de la exposición: 29 de septiembre a 31 de octubre de 2008.

SKLgallery

Costa de Santa Creu 8
Palma



lunes, 29 de septiembre de 2008

El material de la luz



Mayra Carrá ha encontrado en el vidrio el material ideal que le permite crear directamente con la luz, dejar desnudo el interior de la escultura para que sea la mirada la que descubra sus múltiples formas.
La geometría es la base de sus obras (círculos, cuadrados, esferas, pirámides), a través de ella busca las proporciones de la belleza; no es casualidad que una de sus obras se titule Phi, letra griega con que se designa al número dorado que ya fascinó a los clásicos, para los que representaba la armonía sagrada.
Para descubrir el misterio de las esculturas de Carrá es preciso contemplarlas desde todos los ángulos, y si fuera posible muchas de ellas girarlas en diferentes direcciones, pues dependiendo de la posición pueden formar estructuras diferentes.
En algunas de sus piezas asoman notas de color, en otras, la transparencia inmaterial del cristal es el principal elemento decorativo, pues deja al descubierto la geometría de la construcción.
La técnica que usa, placas de vidrio flotado unidas por rayos ultravioletas, es complicada y laboriosa. Surgió a raíz de sus trabajos con el vidrio artesanal, cuando decidió esculpirlo y darle un acabado escultórico.
Sus primeros contactos con el vidrio se remontan al año 1974, mientras estudiaba Arquitectura, fue en esta época cuando descubre la belleza de los vitrales y entra a
trabajar como aprendiz en un taller de vidrieras artísticas. Fue su primer contacto con este material y todo el mundo mágico que le rodea y será decisivo para su trayectoria plástica y personal.
Mayra Carrá nace en Mendoza, Argentina. Desde muy joven y paralelamente a los estudios que realiza, se dedica a la pintura. Una innata curiosidad le lleva a experimentar en diferentes expresiones plásticas: cerámica, fotografía, joyería y esmalte. Pero es en 1974, mientras estudiaba Arquitectura, cuando comienza a trabajar con el vidrio.
En 1978 abandona su país y se establece en España. En 1983 abre su galería-taller de vidrios en Palma de Mallorca, donde se dedica desde entonces, exclusivamente al diseño y construcción de vitrales y esculturas de este material.

domingo, 28 de septiembre de 2008

Ritos de paso



Un rito de paso es un ritual que marca un cambio en el estatus social de una persona. Según Arnold Van Gennep, durante el rito de paso, el individuo es separado de la comunidad y posteriormente incorporado de nuevo en su nueva situación social. La licenciatura es un rito de paso en el que los estudiantes dejan de ser alumnos y pasan a convertirse en profesionales, concluyendo el camino marcado por sus profesores para empezar su propia trayectoria.

Se puede afirmar que los artistas realizan ritos de paso en la elaboración de sus obras. Los materiales que emplean, ya sean físicos (pintura, grafito, plomo, papel, lienzo y otros) o inmateriales (imágenes, sonidos, acciones), son separados de su condición previa, transformados y reincorporados como algo diferente, un objeto, una imagen, una acción que ha adquirido ahora el estatus de obra de arte.

Esta transformación permite al artista incorporar en la sociedad nuevos elementos que el espectador ve bajo una nueva perspectiva, con lo cual se ponen a prueba sus convicciones y percepciones acerca de su entorno cotidiano. Más aún, el trabajo del artista implica un cierto ritual, una meditada repetición de una serie concreta de acciones que conducen a la obra definitiva. Como tal, el proceso es una parte importante de la propia obra, que no sólo conduce a su creación sino que contribuye a su comprensión.

El trabajo de Ali Kaaf, Erick Meyenberg, Jakob Schaible, Carola Schmidt, Markus Wüste y Antonio Gonzales Paucar puede verse entonces como una serie de ritos de paso, en los que situaciones, objetos y lugares comunes pero también sueños, visiones y meticulosas investigaciones son sujetas a un cambio radical. Las obras resultantes constituyen las visiones de estos artistas, jóvenes creadores que se encuentran, ellos mismos, en el proceso de una transformación personal.

Comisariada por Rebecca Horn.

Ali Kaaf, Erick Meyenberg, Jakob Schaible, Carola Schmidt, Markus Wüste exponen en la Galería Maior de Pollença del 20 de septiembre– 4 de noviembre, 2008.

Antonio Gonzales Paucar expone en la Galeria Maior de Palma.September 18 de septiembre– 25 de noviembre 2008.





Liubov Popova



Dos figuras

El de Liubov Popova es el primero de los textos que colgaré en la categoría hemeroteca. Todos ellos los escribí para exposiciones realizadas en diferentes espacios de Mallorca. En concreto esta exposición pudo verse en el Museo de Arte Español Contemporáneo Juan March.

Liubov Popova, su aportación a las vanguardias

La exposición de Liubov Popova muestra con 25 obras realizadas entre 1910 y 1922, procedentes del Museo Estatal Tretiakov de Moscú, excepto dos, que provienen de una colección particular, cortesía de la Galería Barbié de Barcelona.
Esta muestra presenta una selección de obras realizadas con técnicas diversas: óleo sobre lienzo y contrachapado, guache, tinta china y collage sobre papel y cartón. La muestra intenta reflejar su evolución creadora incluyendo obras representativas de las diferentes etapas de su trayectoria artística.
En la formación de Popova fueron de gran importancia la herencia de las tradiciones artísticas rusas, como los iconos y frescos antiguos, y la influencia del arte popular. Sus posteriores estancias, primero en Italia y París, le llevaron a interesarse por el arte clásico occidental, especialmente el del Renacimiento Italiano. Pero Popova formó parte del grupo de artistas rusos que rompieron los esquemas del arte tradicional y que fueron pioneros de los movimientos de vanguardia: cubismo, futurismo, híbridos como el cubofuturismo, que en su su progresiva disolución fueron dando lugar a nuevos movimientos como el suprematismo y el constructivismo.
El cubismo francés, en especial el de Fauconnier y Metzinger, exponentes de una versión menos ortodoxa del cubismo analítico, le influyó en su tratamiento de las formas arquitectónicas dentro de la pintura.
El futurismo italiano, a través de la obra de Boccioni, puede verse reflejado en pinturas como “Composición con figuras” o “Naturaleza muerta italiana”.
En 1915 Popova se unió al grupo “Supremus”, el movimiento más radical de la abstracción que había surgido hasta el momento, del que Malevich era su principal representante. A este período pertenecen su serie “Arquitectura pictórica”, en la que el uso de formas geométricas simples y colores puros, así como el intento de incorporar la cuarta dimensión, ayudaron a la artista a liberarse de toda tendencia figurativa. En estas obras experimentó con la textura, el ritmo, la densidad y el color y fueron el punto de partida de sus posteriores diseños textiles y escenografías teatrales.
A partir de 1919 se fue aproximando a lo que serían formas más cercanas al compromiso político y social. En esta etapa, por influjo de Tatlin y Ródchenko, la artista evoluciona hacia otra forma artística, creando toda una serie de obras a las que llamó "Construcciones dinámico-espaciales ".
La aparición del constructivismo en 1921, señala el nuevo papel del artista en la sociedad y, como otros muchos miembros de su generación, acabó renunciando a la pintura y dedicándose por completo a las artes aplicadas, en un intento por construir una nueva sociedad.
A partir de 1922, su obra queda marcada por la tipografía, el fotomontaje y por proyectos de tejidos y de decorados teatrales en los que contribuye al desarrollo del constructivismo utilitario. Tras su muerte prematura en 1924, sus obras caen en el olvido, y es redescubierta por Barr a principios de los sesenta.
La carrera artística de Popova fue breve e intensa, rompió no sólo con los esquemas artísticos del momento, sino también con la moral y las convenciones sociales. Buscó, aunar las dos revoluciones, la artística y la social, lo que la llevó a mantener una relación ambivalente con el arte: tras la revolución de 1917, fue ganando fuerza la idea del artista constructor que dejaba atrás su condición de creador

Highlights en la galería Joanna Kunstmann



La Galeria Joanna Kunstmann muestra en Highlights clásicos modernos, grandes personalidades que han influido en el desarrollo del arte contemporáneo de nuestro siglo. La mayoría de las obras pertenecen a los años 50 y 70 del siglo XX.

Una de las obras más singulares es un gouache de Joan Miro del año 1949. Otro gouache, esta vez de Salvador Dalí, muestra de forma surrealista un caballo con coche. Y otra obra especialmente destacada es el lienzo de Arroyo „Waldorf Astoria“. Arroyo está considerado como uno de los más importantes artistas de la transición española.
Varios dibujos y gouaches de André Masson de los años 60 serán el broche de oro de esta exposición. Recordemos que André Masson pasó algunos períodos de su vida en España. Otra de las obras destacables es el bronce „Chérie Bibi“ del surrealista y dadaísta Max Ernst, quien tenía también una estrecha amistad con Masson.
La mayoría de las aproximadamente 50 obras son trabajos en papel: gouaches, dibujos o gráficos originales. Pero también se expondrán lienzos y esculturas, de Eduardo Arroyo, Max Ernst o Miguel Berrocal entre otros.

Galería Joanna Kunstmann
C/ Sant Feliu, 18
Palma de Mallorca